Записки путешественника. Таиланд: часть 2 - посвящение Индры

Второй день в Таиланде начался довольно рано - в 6.00. Видимо, это было связанно с довольно ранним уходом на свидание с Морфеем - накануне я вырубился часов в 10 вечера.
  Ну так или иначе, проснулся я от бьющего в глаза Солнца. Для глаз это была отрада.
  На сегодняшнее утро была запланирована встреча с отельным гидом и получением детальной информации о пребывании в стране и возможных экскурсиях. Как-то так экспромтом и довольно неожиданно выяснилось, что сегодня есть спектакль в национальном королевском театре Таиланда Алангаркан.

  Но поскольку выезд из отеля был назначен на 16.10, то у меня была куча времени свободного времени. Я его решил потратить именно так, как тратить его в тропиках, да и вообще в жарких странах лучше не тратить. В полдень я пошел на море. Хоть на небе и были тучи это все равно не было адекватным поступком. Я думаю объяснять почему не стоит. Но я на это решился. Когда я зашел в воду, я был в шоке - температура воды возле берега был выше температуры воздуха градусов на десять. Примерно такая же, какую я делаю дома в ванной в особенно морозные дни, чтобы отогреть свои кости. Поэтому, сказать, что я был удивлен - значит не сказать ничего. Но зайдя чуть глубже, я успокоился. Вода хоть и не была прохладнее воздуха, но все же она была приятной. Я просидел в воде не выходя на сушу два часа. Мне даже стало казаться, что эволюция решила идти вспять - я когда вышел на берег, у меня было чувство, что меня сейчас размажет по пляжу, а подъем по лестнице стал довольно серьезным испытанием для моего организма)))) Но все обошлось, и пребывание на море в самое опасное время с 12 до 14.30   обошлось лишь обгоревшим носом, скулами и плечами. Я уже хотел было расстроиться, что я все таки подшкварился, как в лифт вошла девушка, смотреть на которую мне  стало откровенно страшно - у нее обгорели плечи до такого состояния, что на них сошла кожа.... Я решил, что мне крупно повезло и решил больше таких экспериментов над своим телом и организмом не проводить. Отсидевшись в номере до указанного времени, таец, с небольшим недоразумением, транспортировал меня до театра (он сначала хотел отправить меня в Камбоджу раньше положенного срока).

   На входе в театральный парк нас встретили празднично наряженные слоны. И я снова не удержался от искушения сделать пару снимков с ними с довольно необычного ракурса - сидя на зубах, то есть на бивнях. Обошлось это удовольствие в 40 бат (~42 руб)

Пообедав  за счет После обеда за счет туроператора, настало время спектакля, которое упорно все называли идиотским словом ШОУ.

  Программа, увы, была направленна на туристический контингент и представляла собой довольно разрозненный театральный материал из фрагментов различных спектаклей на национальные темы.

   Представление по программке состояло из трех актов и семи картин. Спектаклю предшествовал пролог в виде клоунады плохо понятой русской цирковой школы (киданием мячика в зрительный зал, пинками друг друга под зад, свистками вместо разговоров, поворотом к зрительному залу филейной частью и тд). Затем последовали все семь картин, разделенные коротеньким антрактом в виде небольшого представления и вызова зрителей на сцену.

  Акт I "Поверия".
 Состоял из двух картин: первый назван "Путь тайской Цивилизации", являющаяся собой некоторым подобием западной "Весны священной", только более мистериальная - действо заключало в себе шествие с факелами, фонариками и слонов по зрительному залу, а потом была очевидная перекличка с той самой Весной, которую все знают. Но скорее всего это никак не связано с западным балетом и является все-таки самобытным. Картина заканчивается извержением вулкана и землетрясением. Причем и то и другое было выполнено максимально реалистично в духе французских придворных опер-балетов  17 века - вулкан извергался настоящим огненным фейерверком, а землетрясение - содроганий декораций и падением людей.

  Лирическое отступление №1. В конце первой картины я очень пожалел, что послушал просьбу руководства и сидел без фотоаппарата  - половина зала сидела с камерами и я проворонил первую картину. Дальше я исправлюсь)))))

  Как выяснилось, извержение вулкана и землетрясение были проделками почему-то китайского дракона (хотя по идее это должен был быть великий Нага) Нага - легендарное существо буддийской мифологии - змея, с человеческим телом выше пояса и головой, до проповеди Будды - носители Хаоса и разрушения, позднее - носители великой истины. В сцене спектакля была показана как раз битва Будды и великого Нага. Сцена была переработана  явно под туристический контингент, где Нага изображал китайский дракон на тросточках (хотя по  традиции Нага всегда изображал танцовщик), а со змеем сражался Будда верхом на живом слоне( слон тоже должен быть танцовщик). Но надо сказать, это было представленно очень красочно и зрелищно - факелы, живой слон, одетый в золотой костюм Будда (первая моя ассоциация была именно с золотым божком из Баядерки). Очень и очень жаль, что исполнитель Будды потерялся в окружении настоящего слона и змея, и льющегося пламени, потому что исполнитель очень здорово двигался и танцевал.

 Собственно, на этом закончилось первое действие и плавно началось второе ("Очарование Тайного искусства и культуры")

  

 Третьей картиной было аллегорическое представление четырех великих регионов Таиланда.  Хотя в программке значилось довольно абстрактные объяснения просиходящего ("Золотой свет Севера, отражается в изящных костюмах и самых прекрасных драгоценностях. Мягкий свет северо-востока отражает богатство мудрости для тех глаз что созерцают. Фантастический свет Центра, показывает ловкость и таланты мастеров рукоделья. Теплый свет Юга, отражает прекрасный мир). 

А на деле это представляло собой Эксельсиор, с той лишь разницей, что не имело сквозного действия. Вот я сижу критикую, но на самом деле это было очень красивое и яркое представление в национальных костюмах и с адаптированными национальными танцами.  Действие впервые сопровождалось национальными музыкальными мотивами - 8 барабанов, гонг и колокольчики. 

 Следом за "Красотой Четырех Регионов" последовал фрагмент из национальной танцевальной драмы  Кхон Рамаяна (Битва Рамы с Раваной). Рама, или Рамачандра - аватар Вишну, юноша-принц, спасающий свою возлюбленную Ситу из лап злобного демона-ракшаса Раваны. Собственно, показанная сцена как раз изображала битву Рамы и Раваной. 

  

Это была одна из немногих массовых сцен, где все исполнители - профессиональные танцовщики, и первая сцена, где воплощенная пантомима-танец не были так сильно стилизована для туристического глаза и максимально приближена к театральной традиции сиамского балета.   

После битвы Рамы и Раваны незаметно наступило третье действие, названное "Рассветом Королевства Таиланд". Это действие состояло уже из трех красочных сцен, символизирующих три этапа становления сначала сиамской, а затем тайской культуры: королевство Сухоттай (пер. "рассвет счастья").  Открывает сцену потрясающая декорация, с видом на древний город и главенствующую среди городского ландшафта статуей Будды, доминирующей над окружением и как бы намекающей на факт того, что именно в этот период истории появилась письменность и первая философская мысль народа. Восходящая Сома (Луна) над городом так же сакрально  символизирует зарождение цивилизации и человеческой силы духа. В конце картины солнце заходит, указывая на закат молодой культуры и переход ее на новый этап развития. 

   Действие показывало какой-то праздник, где танцовщицы танцуют перед королем (по всей видимости королем Рамкамхаенгом) и в апофеозе в небо запускаются небесные фонарики (на деле оказавшиеся очень красиво установленными софитами).

   Вслед за закатом последовала до боли знакомая всем балетным сцена, практически цитата из балетов Жизель или Тщетная предосторожность. Юноша выходит к дому возлюбленной, встречается с ней, но его прогоняет злой отец.....

  ....После этого последовал небольшой перерыв, во время которого ведущая издевается над американцем и китайцем, прося их повторять за собой движения. Бедный американец окончательно доказал, что Америка - родина медведей - янки не мог сориентироваться в пространстве и повторить ну элементарнейшие движения, состоявшие исключительно из шагов и хлопков. Увы, все это зрелище было на редкость глупым и неуместным в контексте всего спектакля. Увы.

Следом за столь глупой интермедией начала массовая драка, а зрителей спешно эвакуировали со сцены обратно в зрительный зал и представление продолжилось. 

 

  На тот раз зрителям показывали уже не столь безмятежный этап в истории Кингдаум Сиам - была показана великая слоновья битва короля королевства Айюттайи, Короля Нараесуана, после чего королевство Сиам окончательно обрело независимость до наших дней. 

   Собственно действо и разыгрывало этот этап  истории. Это была очень зрелищная сцена с битвой слонов, пушечными выстрелами, дымными туманами, битвой людей и очень эффектным, но уже ставшим китчевым, прием лучевой подсветки сзади. 

  А следом за этим на контрасте наступила новая эпоха - Королевство Роттанокосин - "Золотая эпоха" тайского королевства 18 века. Огромные бабочки, порхающие по сцене символизируют некую божественную силу, накрывающие великий Сиам от бед и опасностей, а так же символизирующие преображение старого Сиама к новому Сиаму, как бабочка рождается из гусеницы.. Техническое оснащение позволило людям-бабочкам порхать даже над зрительным залом. 

  За бабочками открывалась очередная панорама города Ангелов - Крунг  Тхеп. Танцовщицы совершают великое подношение реке (за стеной города даже проплывает огромная лодка-дакка, увенчанная головой дракона), а королевское сияние буквально озаряет величесвеенный и прекрасный город, над которым раскрываются крылья новой эпохи. 

  Спектакль окончен, а зрители в восторге покидают зрительный зал, навсегда унеся в своем сердце кусочек этой прекрасной культуры. 

Дягилев P.S. представляет Легенду

 Наконец-то свершилось то, о чем я так мечтал - я увидел легендарный балет Джона Ноймайера "Дама с камелиями" (муз. Ф.Шопен), поставленный в Гамбурге в 1977 году по просьбе Штутгарсткого балета и личной просьбе Марсии Хайде, затем заснятый в виде фильма в 1987 году.

   Джон Ноймайер, вопреки ожиданиям выбрал не классическую партитуру Джузеппе Верде, а собрал различные сочинения Фредерика Шопена, в совершенстве передающим настроение всего спектакля: тонкая, напряженно-лирическая музыка безупречно передающая настроение героев и событий. Кое-где, в гениальной музыкальной композиции лейтмотивами звучат отрывки произведения - и это выглядит символом, связующим звеном прошлого и настоящего.
  В самом начале балета Ноймайер вводит пианиста, который одной рукой очень осторожно перебирая клавиши стоящего на сцене, в котором угадывается мелодия дальнейшей сцене на пленере... И такие тонкие намеки, практически символы, тонкое проведение тем и действий через весь спектакль приближает его к жизни, добавляет жизненных ярких красок. Все без исключения персонажи Ноймайера живы, все действие идет строго вперед не прерываясь не на секунду - все играет на действие. Учение Константина Станиславкого о сверхзадаче и сквозном действии получили в этом спектакле свое совершенное воплощение - в спектакле нет ничего лишнего, нет ни одного пустого места. Собственно именно "Даму с камелиями" можно считать тем самым драмбалетом. Но не в том извращенном виде, в котором нам преподносит Ростислав Захаров со своим Бахфонтаном и легендарным в области глупейшего абсурда "Медным всадником" и со сценой наводнения...
   Так же стоит отметить особенность всех ноймайеровских постановок - это минимализм декораций, бутафории и кое-где ансамблей. На сцене может находиться лишь задник, пара вещей, а ощущение реальности происходящего покидать не будет - огромное пространство сцены заполняется действием и только действием, а вовсе не всякого рода хламом.
    У него танец не перегружен, нет никаких излишеств. Только если это требует характер персонажа. Хотя даже это персонажи кавалер де Грие и Манон Леско являясь явно гротесковыми, образными персонажами получают свою вычурную и перегруженную хореографию за счет знания стиля того времени. Эти персонажи полностью выполнены в стиле мелодраматических спектаклей Бульваров.

  И тот и другой являются гипертрофированными в своем характере и образности двойниками Маргариты Готье и Армана Дюваля. И Манон Леско и де Грие, это персонажи в показе которых Ноймайер пользуется одним из своих излюбленных приемов - сочетает реальное и ирреальное. Причем, что характерно, если изъять параллельный сюжет с Манон, которая в виде видений и снов посещает Маргариту, являясь самым страшным кошмаром, то многое в поведении куртизанки становится неясным и непонятным. Ведь основные решения Маргариты принимаются именно после подобного рода фантазий. Это и театр, где она впервые отождествляет себя с  Манон, и боясь быть нее похожей, и получить в итоге именно такой поворот событий. Дальше самоотождествление возвращается в разговоре с месье Дювалем, после чего она решает покинуть влюбленного в нее Армана... Приходя во сне, Манон и де Грие пробуждают и побуждают ее после последней встречи окончательно покинуть Армана. И завершающим аккордом, вносящим особый драматизм во весь балет, во всю историю становится финал, где Маргарита, покинутая всеми, понимает в чем их главное различие. Де Грие несмотря ни на что все таки не оставляет свою Манон и они умирают вместе. А ее де Грие оскорбил ее и оставил навсегда. И умирает в итоге она в полном одиночестве в своей комнате без друзей, без света и без надежды на что либо.

   Собственно, это единственное крупное и серьезное изменение в романе и пьесе Дюма-сына.  Весь сюжет Ноймайеру удается провести на балетной сцене не разрывая действия логичности повествования. 

    Я отмечу, что при всем при этом, Ноймайер сохраняет академическое построение многоактового спектакля: дуэты, как кульминации каждого акта (всего дуэтов 3) и кордебалетные ансамбли, подготавливающие зрителя к кульминации. (В первом акте - это публика - дуэт Маргариты и Армана, второй акт - природа - ссора с Герцогом - дуэт и третий акт - улица-дуэт-бал-театр-финал).

    Примерно такова структура спектакля. Я думаю, что не лишним будет сказать, что этот балет Ноймайера перешел во многие ведущие музыкальные театры мира: Гранд Опера, Ла Скала, Баварского балета, Американского балетного театра и Королевского балета Дании. И в Россию балет приезжает второй раз (первый был в 2004). И как ни странно, не до ведущих театров - Большого или Мариинки, - а только до Михайловского... А теперь, я перейду непосредственно к увиденному.

Маргарита Готье (Элен Буше)

 Французская танцовщица, танцевавшая в балетном театре в Марселе под руководством Ролана Пети и в Английском национальном балете. После перехода в труппу Ноймайера в Гамбурге, стала у него ведущей солисткой и исполнила множество заглавных ролей в его балетах. В ее послужном списке числятся: "Прелюды CV",  "Ночное блуждание" ("песни в ночи"), "Умолкнувший праздник", "Смерть в Венеции", "Орфей и Эвридика", "Чайка", "Русалочка", "Ромео и Юлия", "Отелло" и, собственно "Дама с камелиями".

    

  Про Элен можно сказать очень многое - техничная, виртуозная танцовщица, которую смело можно причислять к уровню "ассолюты",она завораживает не столько своим танцем, сколько своим актерским дарованием. Когда она на сцене, взгляд буквально приковывает к себе и даже если где-то случайно и может проскользнуть огреха, то она совершенно незаметна. Ведь главный ее козырь - это собственное ощущение роли. Ее Маргарита эволюционирует на протяжении всего спектакля от ветреной кокетки и женщины, совершенно не заглядывающей в будущее, до мудрого, любящего, страдающего, сильно постаревшего и многое пережившего человека. Но одного она не утрачивает на протяжении всего спектакля - это ощущение себя, самопонимание... Хотя оно и искажается, оно все равно присутствует до самого конца. 

  Надлом ее Маргариты происходит, на мой взгляд, не столько в театре, сколько у себя в комнате когда она рассматривая себя в зеркале и осознавая то, что она рано или поздно постареет и умрет. Собственно - свой дом, своя комната - это единственное место, где она может стать самой собой, снять маску светской львицы и стать обычным человеком, боящегося чего-то неизбежного. Маргарита Буше любит, но в тоже время боится собственных чувств. В первом адажио с Арманом, она уже принимает его, но в самом финале вспоминает о своей роли в обществе и резко меняется. Хотя именно в этом дуэте так хорошо видна пропасть лежащая между ними. Арман - еще совсем мальчишка, наивный и любящий, непознавший жизнь и мало понимающий что жизнь из себя представляет. И Маргарита, человек полярно другой - она первые моменты играет с чувствами юноши, вертит им, играет, как кошка с мышкой. Ее женское начало намного сильнее его и загоняет Армана в ловушку, из которой он уже не сможет найти выхода. Хотя кое-что она не в силах уже изменить. И это" кое-что" - это чувства к молодому Дювалю. 

   Во втором акте Маргарита все еще полная жизни, ярких красок, ярких эмоций. И между ней и Арманом все еще лежит пропасть - она, уже умудренная женщина. Арман, все еще в мечтах, все еще мальчишка... Хотя они и вместе, но они все равно контрастно разные, хотя уже понимающие друг друга и не говорящие на разных языках люди. И собственно именно в этом акте происходит самое главное - между этой бездной перекидывается мостик, расставляются приоритеты. В конфликте с Герцогом, Маргарите предстоит выбрать старый мир - такой же шумный и веселый, или более степенный, но чувственный новый мир Армана. И она делает выбор в пользу него. 

  В разговоре с отцом ей приходится испытывать новую для себя роль - просительницы. Это унизительно для нее, это страшно - собственные фантазии поглощают ее и заставляют делать болезненный выбор - покинуть Армана. 

  Третий акт является кульминационным во всех смыслах - Маргарита сломлена, она слаба, она потерялась в этом мире. Она не знает чего хочет и как спастись от всего, что происходит. Она сильно постаревшая, потухшая. Болезнь побеждает ее, сжигая изнутри. И все это Элен мастерские передает - ей не потребовалось для этого делать грим или как-то еще обозначать - только актерской игрой. Многочисленные оскорбления окончательно ломают Маргариту-Буше:  на  балу, где Арман швыряет в нее деньги.  Положение вещей не может изменить ее подруга. Маргарита принимает решение, что она больше не может и не должна жить - она сдается и прекращает бороться с болезнью. И сгорает окончательно, дописывая Арману свои последние слова. 

  Из двух вариантов смертей (тихая смерть в кресле (Э. Дузе) и смерть в падении (с. Бернар)) была выбрана вторая. Могу только сказать, что Буше эта сцена удалась очень реалистично - неестественно вывернутые руки, открытые глаза, остановленное дыхание... От игры балетной актрисы захватывало дыхание.

    

  Арман Дюваль (Тьяго Бордини)

Бразилец по национальности, практически сразу после выпуска из Академии танца в Мангейме (Бразилия) пришел в Гамбургский балет Дж. Ноймайера и сейчас является ведущим солистом труппы.

  На его счету "Прелюды CV", "Ноктюрн" ("Песня в ночи"), "Умолкнувший праздник", "Рождественская оратория", "Нижинский", "Дама с камелиями", "Чайка", "Отелло", "Ромео и Юлия" и сиамский танец в "Павильне Армиды" (поставлен специально на артиста).   Тьяго пробует себя в качестве балетмейстера и его постановка "Нездешний звук" закреплена в репертуаре Государственного театра в Бадене.

  Роль Армана Тьяго можно разделить на два  образа, четко разделяющиеся в 1 и 2 актах (первый образ) и образ 3 акта. В первых двух актах - это юноша, романтик, полностью поглощенные в идеи романтизма. Он где-то витает в облаках, он весь в мечтаниях. 

  Первая встреча с Маргаритой в театре сразу оставляет после себя неизгладимый след в сердце юноши. Окончательное закрепление эффекта - просмотренный в театре балет, где он сразу ставит себя на место актера де Грие, а Маргариту - Манонн. На этих же эмоциях и чувствах он возвращается к Маргарите домой. Где, полностью перехватывая инициативу другого поклонника - навязчивого и неуклюжего графа Н, - он признает в любви Маргарите... Хотя та не сразу понимает его чувств и смеется над ним, он готов ради нее на любые унижения. И даже в такой серьезный и ответственный момент жизни он остается влюбленным в идеал мальчишкой, которым на подвиги ради любви. 

   На маскараде, он по прежнему аморфный, доморощенный юноша, у которого действия не поспевают за мыслями - зачитываясь в книгах и не замечая ничего вокруг, он лишь ждет, когда Маргарита сама придет к нему и восхищается теми знаками, которые она оказывает ему. 

  Во втором акте, когда они с Маргаритой вместе, он по прежнему в ее тени - он слабее нее, он неопытен в делах любви и пребывая в иллюзорном мире не сразу понимает что происходит. Он свободно покоряется воле Герцога, когда тот убирает его руки с талии Маргариты. И только решительные действия возлюбленной заставляют роман продолжаться дальше. 

  В деревне, он по сюжету не участвует в ссоре между своим отцом месье Дювалем и Маргаритой и оказывается пострадавшим. Он делает попытку найти Маргариту, но из-за узости мысли, он решает, что она ушла от него навсегда и, как всякий романтически оскорбленный юноша, поселяет в своем сердце вражду к ней, по прежнему любя ее.

    В третьем акте, он демонстративно показывает Маргарите, что у него все прекрасно и без нее. У Тьяго Бордина это получается виртуозно. У него действительно хорошо получился резкий обиженный юноша, всеми силами пытающийся досадить, как он считает изменившей ему Маргарите. 

  Особую жестокость по отношению к ней он выказывает на  балу, где достаточно жестко и сильно хватает ее за руки, ломает ее, пытается унизить и оскорбить при всех.

  Но в следующей же сцене - возвращении Маргариты, - он снова оттаивает и снова превращается в романтического мальчишку, забывшего все, что было до этого. Но в последствии, избалованность снова берут верх над рассудком и здравым смыслом - он выплачивает Маргарите деньги "за утехи".

   У Тьяго, как актера это первая действительно сильная и хорошо проработанная и прочувствованная сцена. Он действительно получает удовольствие оскорбляя Маргариту, он наслаждается и упивается ее унижением и ее слезами. Он жесток и считает себя правым. Это была вершина Тьяго. Весь спектакль он шел к этой вершине. Прежде, кое-где пробивались и проклевывались достижения - в первом дуэте, он очень реалистично показал мальчишку, в сцене первого бала, он довольно сильно передал состояние своего героя, но именно тут он достиг своей вершины и больше не опускал планку - до самого конца спектакля, даже читая книгу и испытывая глубокое расскаивание ко всему произошедшему, он играл и выдавал по полной программе. В конце спектакля она даже расплакался, как от настоящей трагедии... 

  Хотя, я могу сказать, что над техникой ему еще есть над чем работать - были и ошибки и помарки, хотя в общем - все было на очень высоком уровне. 

   Хочется в паре слов сказать об остальных персонажах:

Манон Леско (Каролина Агуэро) - сильная балерина - пластичные руки, мягкие ноги, неплохие данные, но как актрисе ей есть еще над чем работать и она сильно отстает в этом отношении Элен Буше.

де Грие (Отто Бубеничек) - не могу сказать, что очень сильный исполнитель, но в отношении актерской игры - противоположен Каролие - он переигрывал ее. Еще хочется сказать, что он хороший партнер - все дуэты были выполнены чисты, легко и ярко.

Гастон Рье (Карстен Юнг) - очень сильный и техничный танцовщик. Очень обаятелен и способен держать зал. Экспрессивный и интересный актер, во многом затмевающий Тьяго. Надо сказать, что это уже давно сложившийся артист, не стесняющийся сцены и не совершенно не выводящий в себя в роли кого-то. Он сам и его актер такие, какие они есть - яркие и запоминающиеся, готовые на эксперименты и любящий публику.

Месье Дюваль (Дарио Франкони) - великолепный характерно-возрастной танцовщик в совершенстве передавший настроение и стиль отца Армана. Предельно сдержанный, аристократичный, мужественный, но с каменным сердцем человек, в совершенстве владеющий искусством этикета и собственными эмоциями.

 Ну вот и все) спасибо за внимание!

P.S. Я очень надеюсь, что г-н Кехман в итоге купит спектакль и он будет идти на сцене Михайловского театра. А Джону Ноймайеру хочется пожелать крепкого здоровья и новых творческих идей для постановки новых шедевров! 

Иванова Симфония, или Возвращение драмлегенды

 Последние дни у меня просто зашкаливает от просмотренных балетных премьер - приезд труппы Ноймайера в Михайловский театр с легендарным балетом "Дама с камелиями" и уже непосредственно наш показ - премьера "Ивана Грозного" в Большом театре.

  Начну с конца. То есть с Иванушки Грозного.

  Начну как обычно с вопроса, который уже становится традиционным: "Почему в Большом театре так культивируется традиция давать крупные премьеры названиями давней-давней давности?!" Я никогда не поверю, что мировой, в том числе и русский балет оскудел на хореографов, которые могут предложить менее старые балеты, чем Драгоценности, Аполлон Мусагет и Иван Грозный. Вот не понимаю и все. Даже ноймайеровская "Дама" на фоне всех этих "премьер" БТ не кажется такой старой... Но о ней в следующем посте, а пока вернемся к Ивану Грозному.

 На самом деле, все можно сказать двумя фразами: "Все говорили, что восстанавливать "ИВана Грозного" не надо. Они были правы".

  Данный балет Юрия Николаевича никогда не был шедевром. Тяжелая музыка Прокофьева (хотя на самом деле она потрясающая!!!!), довольно однообразная хореография, являющаяся по своей сути калькой Григоровича с самого себя - многие сцены и номера смотрятся чуждо и как будто прилепленными из других более ранних балетов - "Каменный цветок", "Легенда о любви"... Многие сцены очень напоминаю дальнейшее "РиДж". Хоть оно и было поставлено позже, но после возобновления в 2010 году, уже "Иван Грозный" выглядит перепевом. А не наоборот.
   Есть моменты, которые представляют собой совершенную несуразность - по большей своей част это все выходы и танцы бояр. На них я не успевал просто подавлять смех. Сейчас попробую объяснить почему:
 1) Вот почему Юрий Николаевич принципиально не может сделать обычную проходку обычной проходкой? Почему всегда нужно ставить какие-то припадания, хромания, подскоки, какая-то ритминизированная комбинация... Неужели он не видит все  эти извращения превращаются в штамп, в какую-то несуразность, вечно вызывающую улыбку. Более того, это всегда выбивается из общего контекста балета, это лишнее. Причем какой бы серьезной сцена не была, подобного рода выхода кордебалета или миманса перебивают вообще все.
2) Сцену Курбского с боярами надо просто внести в учебники наравне с Бахфонтаном Захарова как делать НЕ надо. То, что вытворяют бояре в этой сцене не поддается никаким критериям добра и зла или вообще какому либо разбору. Я уж умолчу, что бояре сами по себе во всем балете с самого своего начала напоминают медведей из-за дурацкого размахивая руками от плеч со скрюченными пальцами. Я если вернуться к сцене с отравленной чашей - это просто образец настолько заштампованного решения заговоров или интриг, что дальше просто ехать некуда. Вся эта беготня с открещиваниями, выпадами и наездами выглядит неуместно, смешно и глупо. А уж когда чаша пошла по кругу, то в этот момент я едва не рассмеялся в голос - трясущие руками аки колдующие бояре выглядят по меньшей мере  нелепо. Особенно там один выделялся и старался. У него был жест, как будто он кого-то душит.. Но со стороны это выглядело, как будто он на протяжении всей сцены выжимал мочалку... Усердно так, что невольно смех к горлу подступал. И в таком ключе были решены практически все боярские сцены. Артисты развлекались, как могли. Ну а что еще делать-то остается? Делать серьезно - будет скучно, серо и совершенно не сценично. Стараться? Получается цирк или балаган, но никак не царские палаты...
3) Что касается сцены Раскаяния... Дорогой Юрий Николаевич! Не будь у меня буклета с либретто, я бы никогда в жизни не догадался бы, что это именно раскаяние! Что угодно -безумные видения, завравшиеся скоморохи, - что угодно! - но только не раскаяние. Даже веревка на шее ни о чем конкретном мне не сказала... Хотя может это я чего не допонял? Хотя я не стану отрицать, что эта сцена действительно одна из немногих ярких и запоминающихся. Если сменить ее смысловую нагрузку или выделить это как-то более понятно, то тогда она могла бы стать шедевром. А так... Прекрасные танцы, прекрасный ансамбль, прекрасная режиссура, а непонятно что происходит... Но это уже так, мелкие придирки.
   Хотя стоит отметить, что даже в такой довольно таки не удачной постановке, исполнителю Ивана Грозного (Павел Дмитриченко) буквально нашел себя - его Иван экспрессивный, активный, эмоциональный, живой, жестокий, ярящийся на сцене, выплескивающий в зал колоссальное количество энергии... Он бросался в глаза своим темпераментом и мощью. Это совершенно его роль и я бы на месте руководства театра задумался о том, чтобы поставить нового Ивана, но уже более зрелого - персонажу Павла было совершенно некуда расти - роль, которую предложил Григорович довольно прямолинейна и однообразна... Чего совершенно нельзя сказать о Павле. Хотелось крикнуть:"Больше танца! Больше развития! Больше динамики!!!". Но только не Ивану, конечно, а хореографу.
  Бесконечные сцены народа, перемежавшиеся с дуэтами очередной раз усыпляли меня... Все таки самыми активными, динамичными и интересными сценами были и остаются Опричнина и война с татарами. Все остальное... Усыпляло. Я то и дело клевал носом впередистоящее кресло.
   Сказав об Иване нельзя не упомянуть Анастасию (Анна Никулина). Анна так же, как и Павел, хотя и в меньшей степени, удивила меня. Я был наслышан много нелицеприятного о ней во время репетиций, да и вообще она особо не блистала в балетах...А тут балерина раскрылась, показала зрителю свою подноготную. На удивление, она нисколько не проигрывала на фоне Павла. Танец ее был чистым, эмоции нежными, яркими, интересными... В общих чертах - Анастасия, не являясь на мой взгляд центром балета сумела занять достойное место в лидерах, спасших балет от совершенно явного провала, если бы в нем участвовали менее одаренные солисты.
  Что касается Овчаренко... Роль Курбского на мой взгляд ему, как и роль Ивана Павлу, подходит идеально. Хотя, хотелось бы отметить, что Курбский должен быть более классичным, нежели Грозный. А он перестарался с характерностью и они встали на один уровень и стало совершенно не понятно где же различия между двумя полярно разными персонажами. Все таки хочется увидеть границу между пылающим Иваном и чувственным, но решительным Курбским. А получилось все на одной линии. Не было контрастов.
  В целом, весь спектакль вытянули на себе солисты и дирижер. Сегодня потомки композитора должны быть удовлетворены - сложнейшая партитура была исполнена на очень высоком уровне! Хотя пианисту надо сообщить, что играть надо по тактам, а не между ними... Да и желательно не перебивать того, кому ты собственно аккомпанируешь... Или оркестр начал брать примеры с театрального кордебалета, где каждый считает себя солистом и солисткой и по этому танцует не как надо, а как могу.
  Как мне не понравился спектакль на видеотрансляции, так он мне и не понравился сегодня.... Особенно на фоне балета Ноймайера. 

Свадебка и Весна священная в Балете Москва

 Добрый день. Так вышло, что на некоторое время я покинул блог из-за абсолютной нехватки этого самого времени. 
  Сейчас я постараюсь максимально кратко и сжато рассказать о вчерашнем походе на "Свадебку" и "Весну священную" (хор. Режиса Обадио) представленные нам труппой "Балет Москва" под рук. Е. Тупысевой.

 СВАДЕБКА.

Начну с того, что было достаточно удивительно увидеть на афише московского театра столь редкое для нашей страны произведение И.Ф. Стравинского.
  Не знаю почему, но "Свадебка" не пользуется особой популярностью  у хореографов ни в нашей стране, ни за рубежом.
  Стравинский написал "Свадебку" в 1923 году и она заключала собой кантанту на тексты русских обрядовых песен. Премьера балета прошла в 1923году в Париже, в театре Theatre de la Gaite, в хореографии Брониславы Нижинской.
  Собственно, после этого к произведению Стравинского хореографы прибегали неохотно и очень редко. Лично я знаю несколько  постановок "Свадебки" претендующих на что-то большее, чем просто танец под музыку - собственно Бронислава Нижинская, Иржи Килиан, А. Прельжокаж.  Все остальное - невнятное и совершенно не претендующее на что либо танцевальные импровизации "на тему.." (Т. Баганова, Филипп Талар,  и etc). Увы, но увиденное вчера относится ко второму варианту.

  В чем это заключается?
  Полное несовпадение музыкальной драматургии с хореографией, расхождение замысла композитора и хореографа достигли почти 70%.  При чем, у меня сложилось такое впечатление, что хореограф сам не знает что и зачем он делает, из-за чего получилось, что музыка сама по себе, хореограф сам по себе, а танцоры сами по себе. Особенно это бросалось в глаза сочетание хоров и танцовщиков. Лично мне сильно резало слух, когда поет женский хор, а под него танцует мужской ансамбль. Плюс хочется пожелать хореографа чуть-чуть прислушаться к темпо-ритму музыкального произведения и хоть чуть-чуть ему следовать, тогда будет большая гармония музыка-движение, а не упорно гнуть свой темп и свой ритм, противоречащий музыке. Да, еще одно, что касается музыки - кто надоумил хореографа использовать французскую фонограмму? Французы, поющие с ужасающим акцентом русские песни, превратили кантанту в блеяние сибирских хантов-мансов.

  Во- вторых, лексическая наполненность постановки не то, что устарела - она по большому счету больше напоминает урок модерна в хореографическом училище - я прямо видел комбинации, которые я когда-то выполнял в училище. А если хореограф отходил от комбинирования движений и пытался что-то внести в хореогрфии свое, получалась калька с других хореографов: во многих моментах совершенно четко прослеживалась стилистика Пины Пауш ("Орфей и Эвридика" - часть "Проводы невесты"), Матса Эка ("Спящая красавица" - там же и "Красный стол"), Начо Дуато (Стилистика и компановка движений особо ярко бросалась в глаза в части "У жениха"), Иржи Килиана ("Кагуя-Химэ", "Свадебка" - "У жениха", "Красный стол") и многих других. Конечно, это не были прямые цитаты из балетов, но стилистика движений, их сочетание, пластика - наводили на мысли и ассоциации с той или иной постановкой.

  Мне совершенно был непонятен финал - он невнятен и либо сильно надуман, либо просто не доделан - по нему лишь одна из пяти пар добрались до брачного ложа...
  Еще хотелось бы отметить слабость замысла, вложенном хореографом - по заявленному превью, хореограф сообщает, "что с оригинальным балетом нет практически ничего общего, кроме музыки и традиционного текста. Древнерусский свадебный обряд с кульминационным расплетанием невестиной косы едва угадывается в пост-урбанистической постановке. Минималистичные декорации «любого города в любой стране», пять танцующих пар, каждая из которых олицетворяет невесту и жениха, обрядовый текст, где каждое слово задает ритм, завораживающий танец, «звучащий» как песня.." и "в своей интерпретации балета он старался максимально уйти от русского или любого другого этнического свадебного обряда. Для него «Свадебка» – это вечная история взаимоотношений мужчины и женщины, это взгляд современного человека эпохи Web 2.0 на семью, любовь и традиции." Взято тут
  Я не могу с уверенностью сказать, что хореограф достиг своего замысла. У него слова расходятся с воплощением идеи - то, что он одел женщин в белые хитоны, олицетворяющие свадебные платья, лишь еще больше внесли хаос и оторванность от общей концепции заданной хореографом. И танец, как я писал выше, совершенно не "звучит, как песня" - он не принадлежит музыке ни в одной ноте.
  Вердикт - балет "Свадебка" И.Ф. Стравинского не имеет никакого отношения к увиденной хореографической постановке. Спектакль можно оценить не больше, чем на 3. И то, из-за уважения к Личности Стравинского.

"ВЕСНА СВЯЩЕННАЯ"

 В отличие от "Свадебки", "Весна священная" куда более популярный в плане хореографического воплощения объект. Она ставилась много раз самыми различными хореографами в самое разное время - "Весна" неизменно пользуется популярностью у хореографов до наших дней.
   Премьера "Весны священной" состоялась в Париже,  29 мая 1913 года в театре на Елисейских полях. Хореографом выступил Вацлав Нижинский. Стоит отметить, что на премьере "Весна священная" не получила признания у публики... Видимо,  не пришло ее время.
  На некоторое время партитура была забыта и вновь вернулась к жизни лишь после постановки Мясина в 192о году .
  После этого, партитура начала свое триумфальное шествие по миру:
Марта Грэхем в (1930), М. Бежар (1959) , Н.Касаткина и В. Василев (1965),  Пина Бауш (1978), Матс Эк (1984), Анж. Прельжокаж (2004) и другие.
  Так или иначе, но "Весна" пользуется успехом и у публики и у хореографов, и, как не странно, но великое множество постановок могут стоять на одной планке совершенно не мешая друг другу и будут смотреться одинаково хорошо и их сложно будет сравнивать, поскольку они совершенно разные по своей композиции, хореографии, режиссуре и в целом в воплощении.
  Тоже самое можно сказать и о постановке Режиса Обадии - у него есть своя собственная, довольно интересная концепция, имеющая право на существование.  Хотя некоторые проблемы отсюда перекочевали в Свадебку. А именно: не всегда полное понимание музыкальной партитуры и ее конструкции - кое-где музыка все так же расходится с хореографическим воплощением. Но это не так сильно бросается в глаза, как в "Свадебке".
  Разумеется, он, как и многие другие хореографы западного происхождения заведомо отходит от славянской темы и воплощает совершенно абстрактный мир и обряды... Хотя, тут скорее тоже идет речь о человеческих взаимоотношениях, нежели то,  о чем пишет Стравинский... Но я не могу сказать, что это плохо и никак не соответствует музыки - напротив, многие куски получились очень удачными: "Весенние гадания", "Шествие Старейшего-Мудрейшего", "Поцелуй земли" и "Выплясывание земли" получили очень оригинальное и интересное хореографическое и драматургическое воплощение. Но буду по порядку.  Минималистские декорации, не загружающие сцену, песок, как сценическое покрытие (привет Пине Бауш), минимум костюмов, обливание водой друг друга, лазанье по стенам - все это пошло на пользу спектаклю, выгодно отличившемуся от первой части программы - тут была и более изобретательная и динамическая хореография, и интересное решение дуэтных поддержек и массово-дуэтных кусков, гармонично входящих в действие, и новое музыкально-хореографическое воплощение общеизвестных музыкальных кусков, и отношения между партнерами, как мужчин, так и женщин. Присутствовала даже драматургическая жила и конфликт, которые полностью отсутствовали в "Свадебке". Тут практически все играло на спектакль, а не против него.
  Единственное, что мне НЕ понравилось - это части "Тайные игры девушек. Хождение по кругам" и "Великая священная пляска". В первом случае, монолог мужчины совершенно не ложится на музыку. Ну абсолютно он там был лишним. Он скорее, уж по своей силе и экспрессии соответствовует следующей части ("Величание избранной"). А что касается второго - "Священная пляска" - тут у хореографа совершенно точно закончилась мысль - он просто сделал кальку и перефразировал В. Нижинского, задав танцовщице (оставшейся неизвестной из-за того, что не было программок) одну комбинацию, повторяющуюся множество раз. На самом деле, эта часть даже смогла бы лечь в сам спектакль, если бы не одно но: хореограф перегрузил танцевальную фразу, превратив ее в нагромождение движений, из-за чего финал стал сумбурным, тяжеловесным и совершенно несоотвествующим всему, что происходило до этого.
  В целом, спектаклю можно поставить твердую 4 (хорошо)

Да, и еще одно - руководство сделало ошибку, поставив два равнозначных и однотипных по своему драматургическому содержанию спектакля в один вечер. В итоге они слились в один и совершенно не сыграли на фоне друг друга никакими контрастами. 
  Спасибо за внимание.    

Билет в Большой. Шопениана. Дивертисмент. Кармен-Сюита

Ну что ж, вот и пришло время для нового поста посвященному балету и Большому театру. Поскольку поход в театр вышел спонтанным, то и пост тоже будет довольно спонтанным.
Сегодня главный оперно-балетный театр страны показал вот что:

К 70-летию со дня рождения народной артистки СССР

Нины Сорокиной (1942-2011)

Шопениана

Балет в одном действии на музыку Ф. Шопена

Дивертисмент

Ж. Бизе - Р. Щедрин

Кармен-Сюита

(Ну там я еще пропустил много букв, сообщающих сколько раз шли постановки и в каких возобновлениях)

Итак, поехали. 

1) Шопениана. Хореограф - постановщик - Михаил Фокин (1907), возобновления - Ек. Гейденрейх (1958), Н. Цискаридзе (2010).

  
Исполняют:

1. Полонез  (Op. 40 ): исполняли балерины кордебалета
2. Вальс (Op. 70, № 1):  Ольга Шипулина
3. Мазурка (Ор. 33, №3):  Николай Цискаридзе
4. Мазурка ( Ор. 33, № 2):  Екатерина Шипулина
5. Прелюдия (Ор. 28, № 7):  Марианна Рыжкина
6. Вальс (Ор. 64, №2):  Марианна Рыжкина, Николай Цискаридзе

Поскольку данное творение Фокина не относится к числу моих любимых, то особенно акцентироваться на нем я не стану. Скажу лишь то, что бросилось в глаза:

• Н.М. Цискаризе одевать белое трико строго настрого запрещается! Во всяком случае, до того счастливого момента, пока он не похудеет! Несмотря на то, что он народный артист РФ, лауреат Государственной премии совесть иметь нужно. Все таки не просто так в балете существует такое понятие как "форма" - из-за нее, между прочим из ХУ выгоняют, если она плохая. А учитывая, что все понят какие прекрасные ноги были у НМЦ, то картина совсем печальная
• Хотелось бы отметить тот запоздалый факт, что редакция НМЦ неудачная!  Рисунки утратили ту легкость и узорчатость, какая была раньше. Может изменения и незначительные и больше касаются переходов, кое-какие рисунков в начале и в финале, но все таки - та легковестность ушла.
• Ужасные костюмы! Я не знаю кто делал эскизы, но художнику надо оторвать руки! Сильфид (!!!) обрядили в какие-то шопеновки жуткого нежно-персикового цвета! Причем тут вообще это?! Теперь танцовщицы напоминают в большей мере зефирки или пампушки, но никак не сильфид! Или муз, или еще чего там! (см иллюстрацию выше)
   
• Оркестр Большого как обычно отжигает. И видимо дирижер недолюбливает Шопена. Он (Шопен) кажется ему слишком скучным, нужным и неинтересным. По этому весь балет был сыгран в таком бодреньком, веселеньким маршем-вальсом в стиле Штрауса. Вот честно, если бы я вдруг не знал, что то Шопен - я бы обязательно ляпнул, что это Штраус или Оффенбах.
• Если не считать падения с toure arabesquе НМЦ и что кордебалет в начале чуть-чуть несинхронно вставал, водил рукам, замирал в позах, то в целом - Шопениана прошла очень чисто и ровно. М. Рыжкина по своему обыкновению перетанцевала молодежь - не смотря на возраст, ее техника по прежнему если не филигранна, то очень чиста. Сама балерина уверенна на сцене, ее образ сильфиды тонок, нежен, чувственен, легок и воздушен. И образ нисколько не мешал ногам выделывать сложные па. А то многим балеринам последнее время одно другому мешает. Что касается НМЦ, я не могу сказать, что мне его образ понравился... Слишком много женственности. Ну очень много! Такой образ возможен только в "Видении розы". Да и то, он там не женский, а бесполый. А тут.. Сильфиду от поэта без программки не отличишь.
  
  Если что - это давнишняя запись

2) Дивертисмент. 

1. Это была не самая лучшая затея администрации Большого театра. Этот дивертисмент между романтической "Шопенианой" и страстной "Кармен" пришелся ни уму, ни сердцу. Он резко выпадал из общей программы происходящего на "вечере одноактных балетов". Я уже молчу про подборку - пошлая, безвкусная и очень сильно запопсованная - pas des esclaves из "Корсара" (Кретова - Смольянинов), pas de deux Дианы и Актеона из "Эсмеральды" (Ализаде - Лобухин), pas de deux Авроры и Дезире из "Спящей красавицы" (Образцова - Гуданов), танец с барабанами из "Баядерки" (Балукова - Биктимиров - Болотин). Ну плюс к этому Цыганский танец Голейзовского из "Дон Кихота" и фрагмент Сhrom`ы.
   

   

   Правда тут не Савин, но зато Лунькина)

   
   Если заменить то, что в "плюсе" и поставить на это место пдд Жанны и Филиппа (Пламя Парижа) и пдд Китри и Базиля (Дон Кихот), то дивертисмент стал бы еще больше смахивать на концерт выпускников ХУ в конце года или концерт в каком нибудь провинциальном ДК "Умелый тапок", разве что уровень значительно выше. Ах, ну да, к этому списку не хватает адажио  второго акта Лебединого, которое последнее время к месту и не к месту ставят везде.
   
   Особенно хотелось бы отметить Хрому между пдд Дианы и Спящей. Выглядело это с одной стороны просто вульгарно, с другой - весь прошедший дивертисмент превратился в нафталин и старье. Хрома, пусть и единственная блестяще станцованная, выглядела явно лишней и неуместной.
   
   Были первый и предпоследние куски
   
   А теперь для сравнения:
   
   
   
   Да, хотелось бы учесть еще то, что оркестр умудрился сыграть отсебятину даже тут - сначала он явно импровизировал и попал периодически мимо нот, а потом продолжил играть невесть что в спящей. По хорошему, весь этот дивертисмент можно было убрать - "вечер одноактных балетов" нисколько от этого не пострадал бы. И все таки, я не понимаю почему нельзя было вместо него поставить еще какой нибудь одноактник, если уж так не хочется растянуть все это дело на 3 действия. Есть же Петрушка (который, кстати, уже 2 года не идет), Серенаду (которая 1,5 года ре идет и которую уже не испортишь!), да в конце-концов, как уж сложилась традиция - Рубины! Ну ладно.
   
2. По исполнению... Больше всех мне понравилась пара - Светлана Лунькина и Денис Савин, исполнявшие фрагмент из балета "Chroma". Поражающая воображение пластика танцоров, показавшие по истине безграничные возможности тела. МакГрегору удалось убедить зрителя в том, что мужское тело по своей пластике, по своим возможностям нисколько не уступает женской. Удивительные человеческие рисунки и слепки хореографа, правда, несколько не совпадают на мой взгляд с музыкальной драматургией лирической части Transit Of Venus. Я вижу эту музыку иначе - она глубже драматургически, эмоционально. Ну суть не в этом - Лунькина и Савин смогли добиться того, что хотел показать хореограф.
   
     Чинара как обычно наваляла с вращениями в женской вариации Дианы.
      Смольянинов приятно удивил в па де скляве - не ожидал видеть его в этой партии - все выполнено чисто, без помарок, сильно и эмоционально. Мне понравилось.
      Андропова в цыганском танце из Дон Кихота... Не знаю. Как-то не запало - все вроде чисто, эмоционально, но... Такое впечатление, что танцевала если не в полноги, то точно не в полную.    А Спящая и танец с барабанами совсем уже не смотрелись после Хромы и на них я откровенно говоря скучал. На Дивертисменте закончим и переходим к тому, ради чего я вообще пошел.
      

3) Кармен - Сюита. Балетмейстер - постановщик - Альберто Алонсо

Кармен - Галина Степаненко
Хозе - Иван Алексеев (1-е выступление)
Тореро - Денис Савин
Коррехидор - Виталий Биктимиров

• Ну что же, эта часть вполне удовлетворила меня и порадовала - просмотр первых двух частей был не напрасен и я получил огромное удовольствие от увиденного. Тут мне понравилось практически все (за исключением оркестра, который кое-где умудрился налажать). Ну будем по порядку.
•  Галина Степаненко. Вот, это именно тот вариант, что пусть шаг не 190градусов, а всего на 140-170, но зато все остальное горит, сияет. Ее Кармен страстная, заводная, притягательная, сексуальная даже не смотря на то, что ей уже 45 лет. Она нисколько не растратила задора и женских чар. Многим еще очень многому можно научиться у легенды Большого. Не побоюсь этого слова, но сегодня Галина Олеговна затмила всех балерин выступавших сегодня на сцене. И вовсе не за счет данных или техники (хотя техника у нее тоже на высоте). А за счет своего сценического обаяния и актерской игры.
    От ее образа кажется, что ей удалось прожить самостоятельно эут историю от начала и до конца. Ее Кармен не переигрывает - она соблазняет Хозе скорее с чисто женским кокетством, без особой пошлости, в отличие от сцены с Торреро, где действительно много. Так же Г.О. Степаненко удалось прочувствовать музыку насквозь, что еще больше добавило красок ее роли.
• Иван Алексеев. Как ни странно, но мне кажется, что этот танцовщик далеко пойдет. У молодого человека есть данные - вращение, мягкий прыжок, красивые стопы, красивый внешне... а так же очень обаятельный, сильный актерски, выносливый. Я не удивлюсь, если он впоследствии все-таки доберется до планки солиста. Отмечу, что это второй танцовщик - выпускник Воронежского ХУ подающий большие надежды. Ну во всяком случае, эти надежды у меня.
   
     Его Хозе, нисколько не уступал сегодня Кармен Галины Олеговны. Алексееву удалось очень детально проработать и прочувствовать образ своего героя. Было видно, что молодой человек очень серьезно работал над каждой мелочью - продуманные все жесты, взгляд, ничего спонтанного или какой-то лишней, не вписывающейся в сюжет отсебятины. Образ получился очень органичным, но... На мой взгляд ему не хватает чего-то. Он слишком хороший. Слишком светлый.  Может добавить какой-то нотки стервозности? Нет, не так... Не знаю как выразить словами. Он получился пылким, наивным юношей, у которого бурлят гормоны при виде Кармен, который с трудом сдерживает себя и свои чувства и эмоции... Хозе получился очень интересным, но поработать еще можно. Что касается техники - все чисто и аккуратно, нигде не рвал, не ярил - это похвально. Вначале мне показалось, что он едва скрывает волнение, но очень быстро собрался. Я могу сказать, что Алексееву удалось удивить меня несказанно - первое выступление и так сильно, ярко и запоминающееся. Поздравляю! Это был успех! Не просто так зритель очень долго не отпускал Хозе и Кармен на поклонах - они выходили кланяться после закрытия занавеса еще раз 5. Согласитесь - это дорогого стоит!
• Денис Савин. Его тореро, ловелас, повеса, настоящий мачо и испанец звездой горел на сцене. Он был ловок, мощен, силен и притягивал к себе. Образ получился наполенным, хотя, как мне показалось, Степаненко и Алексееву удалось быть ярче и заметнее торерро Савина. Он получился несколько прямолинейным - несколкьо похотливым самцом, играющий своей силой... Хотя он и в опере такой же... Не знаю. Образ не такой многогранный, как Кармен и Хозе. Мне он меньше нравится. Хотя Савин - это Савин! Он не может не понравится - такой уж он. Его танец, пылкий и динамичный. Очень ценно то, что он может танцевать сразу несколько стилей танца за вечер и не смешивать их - где требуются цирковые данные - там цирковые данные, а где требуется игра - там идет игра.
  
  
• Виталий Биктимиров. Этот персонаж затерялся совсем. Виталию, как это не печально, не удалось дотянуться ни до какого из выше указанных танцовщиков. По этому его и его персонаж прошел незаметно и довольно тускло на фоне Кармен, Хозе и Торреро. А ведь можно так интересно подумать над этой ролью!

Премьерная недопремьера

Всем доброго времени суток! Мой пост будет посвящен премьере "Драгоценностей" в Большом театре.
  Я попал на на Драгоценности непосредственно в день премьеры - 05.05. Ну что я могу сказать? Я не стану мусолить тему того "как сейчас в Большом театре плохо". Это уже много раз было говорено, писано и транслировано. По этому, я сразу перейду к главной теме: недопремьере "Драгоценностей" . Вы уж извините, что я так неблагозвучно отзываюсь об этом красивейшем балете - но я не уверен, что балет поставленный в 1967 году может являться премьерой теперь. Особенно, если учесть, что 22.12.2010 года московский зритель увидел 2 часть балета ("Рубины") на сцене Большого. Какая же это премьера, если 1/3 балета уже идет не один год? Или это был рекламный ход? Ну да не суть, все мои возмущения больше касаются того, что в этом году в Большом театре нет действительно новых постановок... Ну за исключением, наверно, только "Симфонии" Посохова, которая пройдет в июле. А так.... На 5 "премьерных" показов, только 2 балета, да и то, не первой свежести - "Спящая красавица" Ю. Н. Григоровича и "Драгоценности" Дж. Баланчина. В том году были поставлены хотя бы "Утраченные иллюзии" (Л. Десятников, Ратманский) (Хотя я и не могу сказать, что я был от них в диком восторге... Совсем наоборот - сама хореография Ратманского для меня была невыносимо скучной, безжизненной, блеклой и совершенно незапоминающейся. А что касается исполнителей... Люсьен Васильева у мены не вызвал ничего кроме улыбки или желания почитать какую нибудь книгу.), "Симфонию псалмов" (И Стравинский, Иржи Килиан) и Chroma (Дж. Телбот, Уэйн МакГрегор).
   Как мы видим, в том году руководство Большого театра в большей мере и степени уделяло внимание на новые постановки... И снова я отклоняюсь от главной темы "Драгоценностей"
   Честно говоря, я ожидал много худшего, чем было показано на премьере.

    Итак:
 1. Что касается сценографии. Просто подсвеченный задник и небольшая ювелирная веточка в оригинальной версии балета выглядят намного лучше, качественнее и аристократичнее, чем то, что показал нам Большой театр. Как обычно, главный театр страны не сумел удержаться от каких-то собственных изобретений и отсебятины - Алена Пикалова явно перемудрила с декоративным оформлением спектакля - используя технологию invisible set, позволяющую превращать несколько кристаллов в один (свойства огранки используемую в ювелирном производстве), у мастеров Большого получилась больничная палата (может быть кто-то знает - иногда в больницах делают стеклянные перегородки из больших стеклянных кубиков различных цветов). Выглядело это безвкусно, глупо и пошло. Постановку надо делать такой, какая она есть. И не важно, что у самого Мистера Би не было денег на более полное оформление балета.
2. Изумруды. (Евгения Образцова, Владислав Лантратов, Анна Тихомирова и Александр Волчков).
   Честно говоря, находясь на 1 ярусе в 1 ложе, мне было не очень хорошо было видно полностью всю постановку. Но то, что я увидел я могу с вами поделиться.

Анна Тихомирова и Александр Волчков

Владислав Лантратов и Евгения Образцова

  Не стану говорить, как некоторые, что " в 21 веке это такая скучища..." Это неправда, как и неправда то, что исполнители все завалили, что они были через чур школьными и прочая, прочая, прочая... Евгения Образцова была на высоте! У меня сложилось такое впечатление, что это именно ее роль - ее линии, блестящая, по истине филигранная техника балерины Вагановской школы, отточенная, до состояния ювелирной огранки в Мариинском театре была блестяща! От Тихомировой я ждал чего-то большего. Она не дотянула до идеала - может быть она перенервничала, но это тоже не оправдание - где-то недо"пела" руками и ногами, где-то она механически выполняла набор движений (хочется отметить, что на премьере львиная доля исполнителей находилась в состоянии "раз-два-три, раз-два-три!", т.е. в состоянии предельного напряжения, все очень перенервничали и думали о том, как бы не наврать и попасть в музыку)... Так то на мой взгляд, Образцова, которой полностью удалось занять собой музыку и пропеть сложную для исполнения музыку Форе выглядела намного удачнее, чем Тихомирова.
  Что касается мужского состава - тут мое мнение разделилось. Я не могу выделить кого-то на первое место... Лантратов и Волчков хорошо дополнили друг друга, но все таки не были на высоте. От Лантратова так вообще осталось такое впечатление, что он находился не в своей тарелке и что партия не оттанцована, ее нет в ногах и в теле, работа над партией еще  не завершена. Работать есть еще над чем- потенциал и возможности есть.
    3. Рубины (Екатерина Крысанова, Вячеслав Лопатин, Екатерина Шипулина)
Что касается Рубинов - мне повезло пересесть в 1 ярус в 9 ложу, так что мне удалось увидеть постановку в полном хореографическом рисунке и ничего не упустить из виду.

Екатерина Шипулина

Всем известно, что "Рубины" стали частью репертуара Большого театра еще в 2010 году и новинкой не является. Могу только отметить тот факт, что на исторической сцене эта постановка выглядит куда лучше - она становится более объемной, не стесненной в узких рамках новой сцены, между исполнителями есть пространство и воздух, хореографический рисунок и движения хорошо просматриваются, они не комканы и не смазаны. То, что на малой сцене смотрелось как дешевка и бижутерия, на исторической заиграло всеми гранями драгоценного камня. Видимо, это ощущения возникло из-за общего контекста, обновленных костюмов, некоторой новой манерой привнесенной исполнителями... Не знаю, может быть это репетиторы фонда Дж. Баланчина обновили и довели до ума постановку, но на этой премьере они выглядели намного достойнее и не вызывали приступа зевоты, как это происходило на Новой сцене.

Екатерина Крысанова и Вячеслав Лопатин (Удачный ракурс от РИАНовости)))

  Меня удивило то, что "Рубины" уже довольно давно идут на сцене БТ, но они еще "не в ногах" у исполнителей (мне кажется, 14 спектаклей более чем достаточно, чтобы запомнить и заучить музыку, что бы начать ее чувствовать. Собственно, как и привыкнуть к хореографии). Это замечание не касается солистов - оно относится к кордебалету. В том числе к 4 юношей.
  Было бы неправильным, если бы я не отметил Михаила Крючкова - он единственный из четверки, кто наиболее органично смотрелся в хореографии. Он очень сильно вываливался из всех четверых юношей - я сначала даже не разобрался врет он или нет - настолько ярко, практически по сольному он проблеснул в "Рубинах". Он затмил всех своей уверенностью, страстью, той жадностью и удовольствием, с которым он танцевал вторую часть балета. Это очень ценно и дорогого стоит...
   Что касается солистов - никаких новых горизонтов они для меня не открыли. От Крысановой и Шипулиной волей - неволей ждешь чего сверх. Более того, Крысановой не помешало бы всхуднуть - они довольно сильно выделялась на фоне остальных. Лопатин был красив и страстен, то что и требуют алые Рубины - на этот раз танцовщик оказался сильнее балерин.

РИАНовости продолжает радовать ракурсами)))

 4. Бриллианты. (Ольга Смирнова, Семен Чудин)
  Стоит ли говорить, что третья часть балета "Драгоценности" "Бриллианты" были самой главной интригой вечера? Их ждали все. Третья часть неизменно остается любимой частью публики - массовая, яркая, любимые публикой белые пачки у женщин, белое трико у мужчин и прочая атрибутика академического классического танца неизменно вызывает у любителей классического балета восторги и нервное теребение платочков (бумажных или шелковых - в зависимости от заработка). У многих зрителей существует стойкая теория, что "Бриллианты" - это воплощенная русская школа, воплощение Большого Академического Стиля Мариуса Ивановича Петипа, которые с упорством и глупостью разлекламированы Н.М. Цискаридзе и подхваченные широкой публикой, как в доказательство Величия Русского Классического Балета (да-да, Все С Прописной Буквы!)  (не совсем верно - как говорил сам Георгий Мелитонович: "just make the steps" ("просто делайте шаги/движения")) Так что, никакой тайны или двойного дна тут нет и быть по определению не может! Хотя, признаюсь, мне "Бриллианты" тоже нравятся больше всего и на мой взгляд самые.. Запоминающиеся, что ли. Но это вовсе не из-за того, что "это воплощенная русская школа" - просто из-за того, что музыку Чайковского поставить иначе нельзя - она требует очень большого, массового ансамбля, филигранную, классическую технику. А что касается русских движений вставленных в хореографию (народные руки, припадания), якобы доказывающие именно концепцию "трех школ" - это скорее всего из-за ассоциативного ряда Чайковский- Россия, не больше.

Ольга Смитрнова и Семен Чудин

  Ну а теперь об исполнении и исполнителях. Закономерно и банально то, что это самая сырая часть - большая масса народу - большая проблема для нового балета. Собрать 34 человека в одном месте (колоссальный по своим масштабам ансамбль!) и заставить их одинаково двигаться под музыку 3 симфонии Чайковского, да еще и в одном стиле, да еще и в столь короткие сроки - действительно невыполнимая задача, с которой Большой справился на довольно достойном уровне.
  Очень приятно то, что на премьере партию ведущих солистов в Бриллиантах руководство Большого театра доверило не старожилам Большого театра и не иностранец в лице Холберга, а приглашенному в прошлом году в труппу солисту Семену Чудину и принятой в этом сезоне в театр выпускнице АРБ 2011 г. Ольге Смирновой.
  И я могу сказать только одно - это был успех! Ольга и Семен заставили зал встать и вызывать их трижды "на бис". И было за что - они вытянули всю часть на себе. Они сияли среди всех, они были истинными бриллиантами во всей постановке. Никому, кроме них не удалось настолько прочувствовать музыку и хореографию мистера Би. Хотя, Ольга и Семен несколько изменили хореографические акценты и некоторые стилистические нюансы хореографии (с разрешения педагога-репетитора Марии Эшли), но это пошло только на пользу - им удалось невозможное. Сложнейшая на мой взгляд часть балета была исполнена безупречно...

  Правда у меня до сих пор есть вопросы касающиеся подбора состава - насколько мне известно, четверку девушек в театрах обычно исполняют ведущие балерины... И каким образом в составе оказались А. Воронцова (балерина с "безупречной" формой),  А.Туразашвили (поскользнувшаяся прямо на первом выходе), Ю. Гребенщикова (которая банально недотягивает по выучке, стилистике и манере исполнения, выглядящая, как "слабое звено") и А. Окунева (все сделано чисто и академично... Но очень сильно потерявшаяся на фоне Смирновой) ? Вопросы, на мой взгляд, довольно актуальные. Насколько мне известно, составы набирались без учета мнения фонда Баланичина... И это очень заметно кто кого и куда тянет.. Печальная тенденция. Ну ладно, думаю, пора сворачиваться...
  Спасибо за внимание! Очень советую по возможности попасть на дальнейшие спектакли бессмерного творения Джорджа Баланчина. Особенно, если учесть, что как мне сообщили - контракт подписан не по годово, а по количеству спектаклей.
  Средний балл всему - 7 из 10.